Anonim
Image

"El arte de la instalación finalmente se ha apoderado del último bastión de la arquitectura"

Colosales obras de arte públicas como las escaleras interconectadas de Thomas Heatherwick para Nueva York son los monumentos arquitectónicos de nuestro tiempo, dice Aaron Betsky en esta columna de Opinión.

El infame efecto Bilbao podría haber sido el último suspiro de una gran arquitectura que nos ha emocionado. Atrás quedaron los días de la Torre Eiffel y el Partenón, el centro comercial en Washington e incluso el Burj Khalifa. Esos monumentos son tan, bueno, ayer.

Seamos realistas, realmente ya no necesitamos edificios para emocionarnos y enfriarnos, ni para nada. Podemos socializar en línea, la tecnología puede mantenernos cómodos y seguros en cualquier forma que funcione de manera más eficiente, obtenemos identidad de los memes e imágenes que flotan a nuestro alrededor. Y si necesitamos algo más que eso, algo público y unificador o simplemente lo suficientemente grandioso y extraño como para sacarnos de nosotros mismos, el arte puede encargarse de eso.

El reciente anuncio del Buque de $ 150 millones, la escalera de Thomas Heatherwick a ninguna parte programada para un desarrollo de oficinas en Manhattan, deja en claro que el arte de la instalación finalmente se ha apoderado del último bastión de la arquitectura, es decir, los monumentos cívicos que nos definen como cultura y cultura. sociedad. Más grande y más caro que la mayoría de los monumentos cívicos, también es mejor en el Factor Wow.

La adquisición ha sido bastante repentina. Aunque se puede rastrear la arquitectura del espectáculo hasta las máscaras de principios del Renacimiento, no fue hasta principios de este siglo que la puesta en escena de los efectos y la disolución contemplativa de los edificios que artistas como James Turrell habían estado desarrollando durante varias décadas. alcanzaron tal escala y una sofisticación que podrían ser verdaderamente efectivos más allá de una pequeña escala.

Ahora Turrell puede convertir hoteles y museos en caleidoscopios que desafían los ritmos diurnos y la luz y la oscuridad, reemplazándolo por tonos que afectan directamente la forma en que percibimos el espacio.

Aunque el Museo Guggenheim de Nueva York fue el sitio de la instalación más elaborada de Turrell en 2014, es el Salón de la Turbina en la Tate Modern el que ha sido el motor real a través del cual el arte del espectáculo ha pasado por la conciencia pública y en sus corazones.

Comenzando con el sol amarillo de Olufar Eliasson en 2000, este vasto espacio, que, al menos los arquitectos podrían pensar, debería ser lo suficientemente grande como para impresionar por sí mismo, se ha convertido en el sitio de abstracciones gigantes y diapositivas que nos convirtieron en niños. Contra la sofisticación de Eliasson y el artista Carsten Holler, los experimentos anuales en la Serpentine Gallery, que se han convertido en el contrapunto de la arquitectura a estas instalaciones, parecen triviales.

La única pieza que realmente grabó este nuevo arte en la conciencia de la gente fue el "frijol": el toro de espejo pulido de Anish Kapoor, llamado Cloud Gate, que instaló en el Millennium Park de Chicago en 2006. Se ha convertido en el sitio más fotografiado de la ciudad y el El último imán para selfies.

Lo que es notable es que su efecto es resumir Chicago: los famosos rascacielos, reflejados en las superficies curvas, se convierten en un halo alrededor de cada persona que toma una fotografía allí, haciendo que todos formen parte de esta metrópolis más estadounidense.

En los últimos 15 años, este trabajo de instalación se ha vuelto más grande y más dependiente de la tecnología. Cuando Turrell comenzó a usar luces eléctricas con espectros cambiantes, era el equivalente artístico mundial de Bob Dylan tocando la guitarra eléctrica en el Festival de Jazz de Newport.

Eliasson ha cambiado de manera similar piezas delicadas que usaban agua, prismas simples y, a veces, solo paredes sombreadas, por construcciones complejas que salen del taller tipo fábrica en Berlín que emplea a más personas que la mayoría de los buenos arquitectos de esa ciudad.

Anish Kapoor alcanzó lo que muchos pensaban que era el límite de lo que era posible o bueno cuando diseñó la Órbita ArcelorMittal para los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Una perspicacia desgarbada del Monumento de Tatlin a la Tercera Internacional, fracasó tanto como espectáculo como objeto estético. Era demasiado grande y tan malo como un edificio.

Ahora artistas como Heatherwick están llevando el medio a nuevas alturas y escalas. Parece ser capaz de atraer vastos recursos para parques flotantes, puentes de jardines y ahora escaleras de tijera.

Es difícil imaginar que todo comenzó (al menos en el ámbito público) hace 12 años con un pequeño puente peatonal que se desplegó en una esquina de un puerto de Londres. En este momento, estos espectáculos tienen sumas enormes, al menos en comparación con lo que solíamos pagar por el arte público.

En comparación con lo que cuesta un edificio, la mayoría, aunque de ninguna manera todos ellos, aún ofrecen emociones más baratas, exactamente porque pueden centrarse en proporcionar esa experiencia.

¿Es bueno el trabajo? Eso depende. Ciertamente me parece que es tan difícil para los artistas controlar el tamaño y la complejidad como lo es para los arquitectos. Quizás sea aún más un problema para los artistas, ya que no tienen práctica en el control de formas, materiales, elementos funcionales y los detalles que los mantienen unidos de la manera en que lo hacen los arquitectos capacitados.

Lo que es más, gran parte de este trabajo se basa en la contemplación, y cuanto más activo se vuelve, en ningún lugar más que en el caso del Buque, más lejos se encuentra de su mayor fortaleza.

Lo que una vez nos permitió darnos cuenta de algo más grande que nosotros mismos, tanto porque estábamos experimentando algo juntos, como lo haríamos en un mitin masivo o un partido de fútbol, ​​y porque estábamos sintiendo algo ilimitado y sorprendente, ahora involucra tantos artilugios y tanta actividad que muchas de estas piezas se asemejan a parques infantiles para adultos, en lugar de sitios para el tipo de reemplazo de experiencias religiosas que pensé que proporcionaría este arte.

Ese sentido del juego es también la fuerza de gran parte de este trabajo. The Vessel transforma un dispositivo, generalmente oculto en las tripas de un edificio, que funciona para subirnos o bajarnos, o para ayudarnos a escapar de un desastre como una escalera de incendios, y lo convierte en un juguete gigante y colectivo.

También toma las formas en que las escaleras son escenarios perfectos para ver y ser vistos, para hacer una entrada y ver cómo se hace una entrada, en algo reservado no solo para mecenas, novias o políticos, sino también para trabajadores de oficina en sus pausa para almorzar. Glorifica la diversión y el glamour inútil.

El trabajo que más me gusta lleva el juego más allá, pero de una manera que involucra más. Nos convierte en actores esenciales para el éxito del trabajo.

Entrar en The Variation de Tino Sehgal (vi la versión en la exposición Documental de Kassell en 2013) y encontrarme bailando en la oscuridad con alguien que no puedes ver es una de las experiencias más emocionantes, íntimas y sociales que he tenido en mucho tiempo.

Entrar en los escenarios de Elmgreen & Dragset significa convertirse en actor en una obra perversa, como en su reciente Tomorrow at the Victoria & Albert Museum, un arquitecto muerto.

Cuando estos espectáculos funcionan, sirven para unirnos y experimentar algo como comunidad. Ya no somos observadores ocultos de obras de arte aisladas, ni somos usuarios sin sentido de edificios aburridos.

El arte nos saca de nosotros mismos, nos une, recrea y revitaliza nuestra vida pública y, lo que no es poco importante, nos permite divertirnos juntos. En un teatro urbano donde Big Brother siempre está mirando y nos tememos, cualquier arte que logre eso, como espero que lo haga el buque, vale cada centavo.